El día jueves 26 de marzo de 2015 se celebró la segunda puesta en escena del programa cultural PATIO ABIERTO DEL MINISTERIO DE CULTURA, con la presencia de dos grupos de teatro profesional: La Comuna de Villa con la obra Villa coraje y el grupo Waytay de El Agustino con la obra El vuelo de los cóndores. La presentación de las obras inició a las siete de la noche en el frontis Norte del Ministerio de Cultura en un escenario implementado por dicha institución en el marco de la celebración nacional por el Día Mundial del Teatro, fecha programada en el Calendario de las Artes y promovida por la Dirección de Artes del citado Ministerio. La convocatoria que reúne a ocho grupos de teatro en diferentes fechas; esta vez presentó al tercer y cuarto. Asimismo el Ministerio tiene programado dos fechas más como son: martes 31 de marzo y el primero de abril del presente todos ellos en el mismo horario y con ingreso libre. Para comentar sobre el contenido de las obras apreciadas queremos referirnos un tanto al contenido simbólico, plástico, dirección y la capacidad histriónica de los actores: la agrupación de Villa el Salvador puso en escena la historia misma del entonces arenal sobre la cual el distrito populoso se fundó; de ello se refirió al tema de la mujeres y las complicaciones que tuvieron en los inicios del distrito. Una embarazada no puede llegar a tiempo al hospital y las vecinas, como es costumbre en la sierra peruana, acuden a la ayuda y en brazos de ellas nace el nuevo ser. Es la parte de la obra que acogió a los espectadores hasta llevarlos a la catarsis. La intensidad de la emoción la pusieron los actores niños que mostraron una capacidad histriónica sorprendente. La dirección se lució en la coreografía limpia, ordenada y el canto en vivo de los niños. No podía no ser mejor la representación lúdica de Waytay, cuyos actores profesionales en el dominio de escenario y la construcción de multi-personajes fueron precisos. El vuelo de los cóndores es una obra capaz de despertar emociones alegres y compasivas gracias al poder emotivo de los actores. La obra mostró un meta teatro referido al circo y los números artísticos que este presenta; en ello la niña malabarista se enfrenta a la ambición económica del dueño del circo y por la presión termina, la niña, termina en un accidente grave, es cuando el público representado por otro niño inicia una protesta en contra de la explotación y con un final feliz el meta teatro logra un abrumador aplauso del público. Además la obra presentó música instrumental en vivo donde predominaron las percusiones que ejecutados por los mismos actores en diferente turno guiaron los sentimientos del público asistente. La presentación concluyó con el anunció e invitación al público para el martes 31 que es la siguiente puesta.
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DEL BARRO AL HOGAR Por: Julio Óscar Zúñiga Pastor (JOZP)
Cierto día (09/10/2014), tenía una cita con el profesor y compañeros de estudio en una exposición de arte en el centro cultural Ccori Wasi, de la Universidad Ricardo Palma al cual asistí como obligado sin saber ni siquiera el título de la muestra. Más aun por el ‘velocísimo’ transporte que la gestión de Susana Villarán ha puesto en marcha DEL BARRO AL HOGAR Por: Julio Óscar Zúñiga Pastor (JOZP)
Cierto día (09/10/2014), tenía una cita con el profesor y compañeros de estudio en una exposición de arte en el centro cultural Ccori Wasi, de la Universidad Ricardo Palma al cual asistí como obligado sin saber ni siquiera el título de la muestra. Más aun por el ‘velocísimo’ transporte que la gestión de Susana Villarán ha puesto en marcha en la avenida Arequipa con el cual –sin otra opción–, tuve que asistir puntualmente al encuentro. Hasta eso sin motivación alguna sin que nada ni nadie me despierte una pisca de interés. No podría caber mejor, mencionar que estuve más aburrido que ‘Vargas Llosa haciendo cálculos matemáticos’ o ‘más perdido que huevo en ceviche’ como se suele decir criollamente en Lima.
De entrada al centro cultural encontramos un preparativo por la ‘revisión de las tradiciones de Palma’ por un grupo de estudiosos parmistas que casi entorpecían la buena visión de las pinturas colgadas en los muros. Con poca iluminación las obras logran captar mi atención. Es cuando, con cierto entusiasmo, solicito el catálogo de la exposición donde la crítica , escueta pero alentador hacía el artista, logra encaminarme hacía el aura de las obras expuestas. Caminando y divisando colores y figuras bidimensionales ya casi por finalizar el recurrido por los tres ambientes que ocupa la muestra encuentro en la sala central una pintura cuyo título Wasi Lulay y su distribución –casi familiar a primera vista–, me llama la atención con una potencia sin igual y luego de un recorrido visual más atento atrapa mi entusiasmo por completo. En este preciso momento comienza a surgir un suave y fluido recuerdo de mi infancia que me traslada al Wasihuasi, (una fiesta después de la zafa del levantamiento de la casa que se practica en muchos pueblos del ande peruano, donde el compadre, padrino, ahijado, vecino, allegados del dueño de la nueva casa, asisten sin falta). Pero me adelanto. Esta es una ceremonia que posee un orden que conviene seguir y contar tal como es.
La tierra para el cultivo es sagrada pero, posee otras cualidades, que el soltero o casado busca con sumo cuidado porque esta vez servirá para formar parte del hogar del hombre. Por ello la combinación promedio entre arcilla, arena, tierra de cultivo y el Icho –planta gramínea de las punas–, es importante para la fabricación del adobe. El adobe, elemento esencial de la arquitectura andina junto a la piedra en la cimentación, conforman la materia casi viva que como un niño recién nacido requiere de protección desde el momento de su fabricación hasta la colocación en la pared de la casa. El icho traído desde las alturas frías donde el clima en cómplice con el suelo le da la fortaleza y la resistencia necesaria como para ser componente esencial en el adobe. El baile descalzo de las doncellas y mancebos así como de maestros de obra en el barro batiendo el icho, la tierra y el agua son la siguiente etapa del proceso de fabricación del elemento base para la construcción en la casa andina.
En la pintura del maestro Josué Sánchez podemos ver una descripción detallada del todo el proceso de construcción de una casa familiar en los andes: desde la preparación del adobe hasta la colocación de la cruz en la cumbrera.
No quiero entrar en un descripción fría y repetir lo que ya por sí mismo la obra dice con toda claridad. El cuadro es una síntesis de los pasos, elementos, personajes, concepciones y saberes que giran torno a la arquitectura familiar en los andes peruanos.
Por ello sígueme en un pequeño viaje viviente y consiente a través del tiempo-espacio mientras miramos juntos por dentro y por fuera la casa cuando los habitantes dueños nos convidan exquisitos y suculentos platos con una atmósfera de cariño, con el toque preciso de humildad lo que hará mágico nuestro viaje. Empezamos cuando ya está listo el adobe, el barro mesclado con icho o paja, los vecinos, las chicheras, los músicos y los minkayuq bien comidos inician con entusiasmo, apenas el sol pone los primeros rayos. Unos son adoberos que a lomo cargan entre dos y tres demostrando su fortaleza porque en la minka nadie demuestra debilidad o flaqueza; otros son los detallados y precisos Mescladores de barro e icho. Con una rutina exacta abastecen a los maestros. Los más jóvenes son los encargados entusiastas del agua para el challay del maestro para cuando coloca el adobe sobre el barro en la pared, mientras las doncellas traen chicha y convidan a todos los que apenas se dan tiempo para el sorbo, no porque estuvieran en contratiempo sino por la competencia: que perder implica poner los tragos. Una vez trazado el suelo con un cordel comienza la zanja que como es tradición: Los Apus piden una retribución por sus tierras es por ello que la llama da su vida en un entierro vivo después de un ritual pertinente con alhajas e incluso con follaje que calme el hambre del animal es su viaje al más allá. Es puesta en lo más fondo de la zanja que cubierto con piedras sobre ella se levanta la pared.
Entre tanto los más experimentados y conocedores de la arquitectura, los maestros, –que pueden variar en número–, son los encargados de la colocación del adobe en el muro, son los ingenieros de la construcción que solucionan cualquier problema técnico; mientras el arquitecto es el dueño que señala la configuración de la casa. Así esta labor no es labor. Como toda actividad del hombre andino es celebración y acto de confraternidad; un recuerdo constante de que los hombres somos hermanos. Por ello la minka es siempre comunal y que faltar es viable solo por la muerte o grave enfermedad, porque no solo es minka sino ayni dentro de la minka. Ayni porque ellos vendrán cuando llegue el día que los hijos se casen y requiera de una casa. Si se es soltero será un ayni a futuro. Cuando ocurra la ley de la vida: elegir una dama y casarse para ir a vivir en la nueva casa que acaban de levantar. Los comuneros estarán presentes.
Cuando la construcción está en más de la mitad un grupo trae los maderos, que formarán las vigas y armazones. Cosa interesante es la forma cómo distribuyen y aligeran el peso del tronco. En la espalda llevan Lliklla lleno de hojas de plantas como esponja que amortigua el peso. Son suficientes cuatro personas para transportar hasta media hora de camino un tronco que si transportasen de modo normal requeriría de diez personas.
Los compadres, –atentos y partícipes en el levantamiento de la casa–, en el último día de la construcción no asisten sino con su respectivo cruz adornado con flores, cintas de peruanidad y acompañado por la media libra de caña; es que no solo son los compadres sino los ahijados y padrinos también hacen lo suyo. Es importante, algo que los llaqtamasiycuna no pueden dejar de practicar, el honor y la presencia social. porque se mide por cuantos ahijados tienes o compadres visitan el Wasihuasi, –la fiesta con todos de la comunidad–. Los ayllus todos vienen con hermosos regalos que en el fondo es otra forma de ayni que en un día pronto cuando tengan actividad similar serán devueltos en acto de reciprocidad. No son como los qawarunas u hombres barbudos que hacen fiesta al inicio de una obra (primera piedra que a veces no se termina), sino en la comunidad la celebración es al finalizar.
El turno es para la comadre que sube en honor a la reciprocidad al techo, cuando el maestro está a punto de colocar la última fila de tejas , para entregar la cruz de metal con la fecha soldada. El maestro coloca la ‘cruz’ perforando tres tejas para que resista vientos y lluvia. Continúa el segundo compadre y los ahijados con el mismo acto. Qué imponente se ve la casa nueva con varios cruces coloridos en fila sobre la cumbrera cada uno recordando el número de ayni y también sutilmente expresando que los ocupantes son queridos en proporción directa a las dichas ‘cruces’.
La casa es reciente será por ello que en el piso hay pedazos de barro, humedad y algunos hilos de icho, justamente es sobre ello el baile de celebración, Wasihuasi. Los esposos apenas se zafó la casa por la mañana se casaron y qué mejor estreno y júbilo con el baile sobre el suelo nuevo invitando indirectamente a los asistentes a la temporal pista de baile. Previamente los maestros nivelaron los montículos y solo falta reafirmar el suelo, obedeciendo a ello todos los participantes incluso, las cocineras bailan con alegría. Los maqtas sirven aqa, cañazu , platillos de lechón, ponche, Patasca y Miskipa que le dan el toque familiar. Confianza y fraternidad se refleja en las caras, algunos afectados por el poder de las bebidas otros saciados el hambre preparan el chani (comida para llevar), para los menores que no pudieron venir al Wasihuasi por cuidar animales en sus casas. En la mañana el suelo está afirmado como de una casa de años de uso, firme como la piedra. Muchos de los vecinos y compadres se han retirado por la madrugada otros se quedaron. Con los que todavía participan del umaqampi o cura de resaca, es que el domingo se convida un banquete. En mesa lechón y caldo de cabeza infaltables y con los últimos, mejor dicho con los que resistieron la noche anterior se comparte la mesa. Así finaliza una celebración más que desde que inicio la preparación de adobe hasta la puesta de la última teja duró un promedio de dos a tres meses.
El cuadro del maestro Josué Sánchez nos habla de esa etapa de la vida del poblador andino. Nos habla con elocuencia pero también es sintético. Su delineado hace una bidimensional obra, colorida y atractiva al ojo. En primera vista casi no nos dice nada pero nos detenemos y sale una historia desde sus colores y líneas decoradas con hojas y flores así como el orden de la historia es armónico pero no secuencial lo que hace místico y nostálgico al mismo tiempo crea alegría en nuestro corazón. Así mi día, que había sido aburrida, fue sorprendente en un rato de la tarde.
Con un poco de imaginación podemos ver en el cuadro muchos elementos como la dualidad representada por el sol y la luna así como el sincretismo arquitectónico entre la iglesia y las casas. Armonía entre la naturaleza, hombre, arquitectura y los apus. Donde predominan los colores vivos como un reflejo de la variedad cultural. Hay personajes como el chichero que hacen largos viajes como se aprecia en el centro derecho del cuadro.
en la avenida Arequipa con el cual –sin otra opción–, tuve que asistir puntualmente al encuentro. Hasta eso sin motivación alguna sin que nada ni nadie me despierte una pisca de interés. No podría caber mejor, mencionar que estuve más aburrido que ‘Vargas Llosa haciendo cálculos matemáticos’ o ‘más perdido que huevo en ceviche’ como se suele decir criollamente en Lima.
De entrada al centro cultural encontramos un preparativo por la ‘revisión de las tradiciones de Palma’ por un grupo de estudiosos parmistas que casi entorpecían la buena visión de las pinturas colgadas en los muros. Con poca iluminación las obras logran captar mi atención. Es cuando, con cierto entusiasmo, solicito el catálogo de la exposición donde la crítica , escueta pero alentador hacía el artista, logra encaminarme hacía el aura de las obras expuestas. Caminando y divisando colores y figuras bidimensionales ya casi por finalizar el recurrido por los tres ambientes que ocupa la muestra encuentro en la sala central una pintura cuyo título Wasi Lulay y su distribución –casi familiar a primera vista–, me llama la atención con una potencia sin igual y luego de un recorrido visual más atento atrapa mi entusiasmo por completo. En este preciso momento comienza a surgir un suave y fluido recuerdo de mi infancia que me traslada al Wasihuasi, (una fiesta después de la zafa del levantamiento de la casa que se practica en muchos pueblos del ande peruano, donde el compadre, padrino, ahijado, vecino, allegados del dueño de la nueva casa, asisten sin falta). Pero me adelanto. Esta es una ceremonia que posee un orden que conviene seguir y contar tal como es.
La tierra para el cultivo es sagrada pero, posee otras cualidades, que el soltero o casado busca con sumo cuidado porque esta vez servirá para formar parte del hogar del hombre. Por ello la combinación promedio entre arcilla, arena, tierra de cultivo y el Icho –planta gramínea de las punas–, es importante para la fabricación del adobe. El adobe, elemento esencial de la arquitectura andina junto a la piedra en la cimentación, conforman la materia casi viva que como un niño recién nacido requiere de protección desde el momento de su fabricación hasta la colocación en la pared de la casa. El icho traído desde las alturas frías donde el clima en cómplice con el suelo le da la fortaleza y la resistencia necesaria como para ser componente esencial en el adobe. El baile descalzo de las doncellas y mancebos así como de maestros de obra en el barro batiendo el icho, la tierra y el agua son la siguiente etapa del proceso de fabricación del elemento base para la construcción en la casa andina.
En la pintura del maestro Josué Sánchez podemos ver una descripción detallada del todo el proceso de construcción de una casa familiar en los andes: desde la preparación del adobe hasta la colocación de la cruz en la cumbrera.
No quiero entrar en un descripción fría y repetir lo que ya por sí mismo la obra dice con toda claridad. El cuadro es una síntesis de los pasos, elementos, personajes, concepciones y saberes que giran torno a la arquitectura familiar en los andes peruanos.
Por ello sígueme en un pequeño viaje viviente y consiente a través del tiempo-espacio mientras miramos juntos por dentro y por fuera la casa cuando los habitantes dueños nos convidan exquisitos y suculentos platos con una atmósfera de cariño, con el toque preciso de humildad lo que hará mágico nuestro viaje. Empezamos cuando ya está listo el adobe, el barro mesclado con icho o paja, los vecinos, las chicheras, los músicos y los minkayuq bien comidos inician con entusiasmo, apenas el sol pone los primeros rayos. Unos son adoberos que a lomo cargan entre dos y tres demostrando su fortaleza porque en la minka nadie demuestra debilidad o flaqueza; otros son los detallados y precisos Mescladores de barro e icho. Con una rutina exacta abastecen a los maestros. Los más jóvenes son los encargados entusiastas del agua para el challay del maestro para cuando coloca el adobe sobre el barro en la pared, mientras las doncellas traen chicha y convidan a todos los que apenas se dan tiempo para el sorbo, no porque estuvieran en contratiempo sino por la competencia: que perder implica poner los tragos. Una vez trazado el suelo con un cordel comienza la zanja que como es tradición: Los Apus piden una retribución por sus tierras es por ello que la llama da su vida en un entierro vivo después de un ritual pertinente con alhajas e incluso con follaje que calme el hambre del animal es su viaje al más allá. Es puesta en lo más fondo de la zanja que cubierto con piedras sobre ella se levanta la pared.
Entre tanto los más experimentados y conocedores de la arquitectura, los maestros, –que pueden variar en número–, son los encargados de la colocación del adobe en el muro, son los ingenieros de la construcción que solucionan cualquier problema técnico; mientras el arquitecto es el dueño que señala la configuración de la casa. Así esta labor no es labor. Como toda actividad del hombre andino es celebración y acto de confraternidad; un recuerdo constante de que los hombres somos hermanos. Por ello la minka es siempre comunal y que faltar es viable solo por la muerte o grave enfermedad, porque no solo es minka sino ayni dentro de la minka. Ayni porque ellos vendrán cuando llegue el día que los hijos se casen y requiera de una casa. Si se es soltero será un ayni a futuro. Cuando ocurra la ley de la vida: elegir una dama y casarse para ir a vivir en la nueva casa que acaban de levantar. Los comuneros estarán presentes.
Cuando la construcción está en más de la mitad un grupo trae los maderos, que formarán las vigas y armazones. Cosa interesante es la forma cómo distribuyen y aligeran el peso del tronco. En la espalda llevan Lliklla lleno de hojas de plantas como esponja que amortigua el peso. Son suficientes cuatro personas para transportar hasta media hora de camino un tronco que si transportasen de modo normal requeriría de diez personas.
Los compadres, –atentos y partícipes en el levantamiento de la casa–, en el último día de la construcción no asisten sino con su respectivo cruz adornado con flores, cintas de peruanidad y acompañado por la media libra de caña; es que no solo son los compadres sino los ahijados y padrinos también hacen lo suyo. Es importante, algo que los llaqtamasiycuna no pueden dejar de practicar, el honor y la presencia social. porque se mide por cuantos ahijados tienes o compadres visitan el Wasihuasi, –la fiesta con todos de la comunidad–. Los ayllus todos vienen con hermosos regalos que en el fondo es otra forma de ayni que en un día pronto cuando tengan actividad similar serán devueltos en acto de reciprocidad. No son como los qawarunas u hombres barbudos que hacen fiesta al inicio de una obra (primera piedra que a veces no se termina), sino en la comunidad la celebración es al finalizar.
El turno es para la comadre que sube en honor a la reciprocidad al techo, cuando el maestro está a punto de colocar la última fila de tejas , para entregar la cruz de metal con la fecha soldada. El maestro coloca la ‘cruz’ perforando tres tejas para que resista vientos y lluvia. Continúa el segundo compadre y los ahijados con el mismo acto. Qué imponente se ve la casa nueva con varios cruces coloridos en fila sobre la cumbrera cada uno recordando el número de ayni y también sutilmente expresando que los ocupantes son queridos en proporción directa a las dichas ‘cruces’.
La casa es reciente será por ello que en el piso hay pedazos de barro, humedad y algunos hilos de icho, justamente es sobre ello el baile de celebración, Wasihuasi. Los esposos apenas se zafó la casa por la mañana se casaron y qué mejor estreno y júbilo con el baile sobre el suelo nuevo invitando indirectamente a los asistentes a la temporal pista de baile. Previamente los maestros nivelaron los montículos y solo falta reafirmar el suelo, obedeciendo a ello todos los participantes incluso, las cocineras bailan con alegría. Los maqtas sirven aqa, cañazu , platillos de lechón, ponche, Patasca y Miskipa que le dan el toque familiar. Confianza y fraternidad se refleja en las caras, algunos afectados por el poder de las bebidas otros saciados el hambre preparan el chani (comida para llevar), para los menores que no pudieron venir al Wasihuasi por cuidar animales en sus casas. En la mañana el suelo está afirmado como de una casa de años de uso, firme como la piedra. Muchos de los vecinos y compadres se han retirado por la madrugada otros se quedaron. Con los que todavía participan del umaqampi o cura de resaca, es que el domingo se convida un banquete. En mesa lechón y caldo de cabeza infaltables y con los últimos, mejor dicho con los que resistieron la noche anterior se comparte la mesa. Así finaliza una celebración más que desde que inicio la preparación de adobe hasta la puesta de la última teja duró un promedio de dos a tres meses.
El cuadro del maestro Josué Sánchez nos habla de esa etapa de la vida del poblador andino. Nos habla con elocuencia pero también es sintético. Su delineado hace una bidimensional obra, colorida y atractiva al ojo. En primera vista casi no nos dice nada pero nos detenemos y sale una historia desde sus colores y líneas decoradas con hojas y flores así como el orden de la historia es armónico pero no secuencial lo que hace místico y nostálgico al mismo tiempo crea alegría en nuestro corazón. Así mi día, que había sido aburrida, fue sorprendente en un rato de la tarde.
Con un poco de imaginación podemos ver en el cuadro muchos elementos como la dualidad representada por el sol y la luna así como el sincretismo arquitectónico entre la iglesia y las casas. Armonía entre la naturaleza, hombre, arquitectura y los apus. Donde predominan los colores vivos como un reflejo de la variedad cultural. Hay personajes como el chichero que hacen largos viajes como se aprecia en el centro derecho del cuadro.
se puede ver la versión publicada por TVROBLES EN https://tvrobles.lamula.pe/2014/12/06/del-barro-al-hogar/tvrobles/
CONTEXTO HISTÓRICO SOCIAL DE BRASIL A INICIOS DEL SIGLO XX
La historia social de Brasil a finales del siglo XIX e inicios del siguiente estuvo marcada por cambio de sistema político de la vieja monarquía (1822-1890), a la llamada vieja república que durará hasta 1930. La última década de la monarquía fue la década de los ochenta del siglo XIX, en aquel entonces monarca Pedro II ya mostraba una actitud amigable a la idea de convertir la nación en una república, porque ya no era novedad, desde que comenzó a gestarse desde las conspiraciones en 1789, 1817 y 1824 un claro reflejo de que los intelectuales asimilaron las ideas libertarias que ya se había dado en Francia revolucionaria. A mediados de 1890 inicia la manifestación del ejército que había adquirido prestigio en la guerra contra Paraguay y los oficiales Sena Madeira, Deodoro da Fonseca, y el líder del movimiento republicano Benjamín Constant iniciaron las críticas en la prensa al gobierno y sus ministros. La respuesta fue prohibir las manifestaciones el cual hizo perder credibilidad a los monárquicos. El 15 de noviembre Pedro II se marcha a Europa así como prometió a los oficiales que “él no iba a ser impedimento si en algún momento la nación optaba por el sistema político republicano” (ABRIL EDUCATIVO Y CULTURA, 1974, pág. 161) . En 1893 estalló la revuelta capitaneada por el almirante Custudio José de Melo como una facción de oficiales que buscaba poder en el gobierno pero fue rápidamente sofocado. El país con el nuevo sistema buscó insertarse a la economía mundial aumentando la producción de caucho, café, cacao, entre otros productos agrícolas; pronto notó que no podía sostenerse el erario nacional entonces potenciaron la producción de café como un monocultivo que para inicios del siglo XX representaban el 70% de la producción mundial de este producto. En el plano político dieron algunas reformas como la declaración de nacionales o la entrega del documento nacional si los emigrantes renunciaban a su país originario. Esto representaba un 16% de la población total que ascendía a 2 millones. La migración aportó la nueva mano de obra asalariada en las haciendas e industrias incipientes. Pronto las ciudades como San Pablo, Rio de Janeiro, comenzaron a poblarse y el crecimiento demográfico representó nuevas cambios sociales no solo en lo cultural sino también en las costumbres porque estos trajeron consigo los modos de vida más racionales de ello nació la clase media que pronto alcanzaría el poder político y con ello la idea de nación e identidad para la segunda década estaba en un terreno fértil donde no fue casual la exposición del arte de San Pablo de 1922. Entonces surgen cuestiones culturales como la que señala Elsa Flores: “nos preguntamos si no sería conveniente promover una reflexión colectiva acerca de qué lugar deberían ocupar “lo nacional”, “lo local”, “lo regional”, “lo global” en nuestro arte, en las actuales (y tal vez también en las futuras) circunstancias” (FLORES, 2003, P. 32) entonces los intelectuales aun influenciados por el parnasianismo comienzan a dar sus manifiestos que rechazan la concepción de lo nacional como:
<> (P. 41).
Otro de los hechos que va asentar la mentalidad de nación y sentimiento de nacionalismo es el mismo recuerdo de haber “expulsado” a los colonizadores. El hombre republicano que hizo nacer las naciones latinoamericanas después de una larga y dura insurgencia contra el imperio español (más pacíficamente Brasil contra Portugal) y lograda la independencia política, “aparecen de inmediato las pugnas fronterizas que devienen en contiendas bélicas, excitantes del nacionalismo xenófobo” (Ruiz, 1979). La división se acentúa porque Inglaterra manipula económicamente a los nuevos países, impulsa el divisionismo: “dividir para reinar” es lo que aplica la potencia europea y Brasil no fue ajeno a esta ola de manipulación ideológica creando un ambiente chauvinista para que países vecinos entren en guerras como Brasil contra Paraguay y Perú contra Chile, después de mediados de la tercera década comienza la predominancia económica de EE. UU en Latinoamérica manejado desde Wall Street. Tal vez de allí la conciencia de la necesidad de un concepto basado en una región como Sudamérica o en todo caso Latinoamérica en conjunto busquen conceptos en el plano del arte y cultura para tener lasos de amistad y construir un mundo de paz de modo que se pueda frenar el embate imperialista de las potencias norteñas como lo señala Alberto Ruiz en su artículo Nacionalismo y conflicto en América:
<> p 17
El mismo autor opina sobre la exposición de 1922 y señala lo siguiente:
La exposición de arte de 1922 en San Pablo no fue totalmente de carácter nacionalista sino de un sentido moderno cosmopolita pero que no amilanará a Tarsila do Silva a presentar su producción artística Antropofagia. O lo que es el otro plano de la ideología un tanto conciliador que el mismo autor nos lo explica: “en América Latina se ha intensificado el movimiento por el pluralismo ideológico” (P. 19).
Por otro lado Edgar Vidal nos señala sobre la pintura de la exposición y sobre todo de Tarsila da silva que su formación es parisina pero cuando retorna a Brasil “su pincel opta por una temática local con personajes como los negros o los viajeros del tren de la clase baja y media conformada por migrantes y agricultores” (VIDAL, 2011, p. 16).
La Semana de Arte Moderno de San Pablo, celebrada en febrero de 1922, fue largamente ignorada por la oligarquía pero que no dejaron de escandalizarse; aquel afloramiento fuera de la capital paulista, del mismo modo que pasó desapercibida para la clase gobernate y la para la opinión pública la Fundación del Partido Comunista Brasileña. Con un marcado sentido nacionalista casi chauvinista. Sin embargo, la ambición nacional y la vocación nacionalista comienza en 1920 con los jóvenes escritores y artistas que entran decididos a acabar y declarar anacrónicos a los Maestros Del Pasado como Mario de Andrade tituló la serie de estudios en que “analiza el parnasianismo en la obra de Francisca Júlia, Raimundo Correia, Alberto de Oliveira, Olavo Bilac y Vicente Carvalho” (LÓPEZ ALFONSO, 1996, p. 166) , a los que acepta como maestros, pero como maestros del pasado, como difuntos, “poetas de misión cumplida que nada tienen que ofrecer a las nuevas generaciones”. (ob. cit.)
La revista que desde sus páginas que marcó el sentir nacional y direccionó de alguna manera el nacionalismo brasileño es Klaxon. En cuyo manifiesto señalan que son clasistas son de influencia futurista como señala López además de esta revista hubo otras revistas que propiciaron lo nacional como Arevista, Verdeamarrillo, que menciona en su lema “cantar simplemente a la tierra brasileña” (p. 160), otro manifiesto fue el ya mencionado, Manifiesto Antropófago aparecido en el número I de la Revista Do Antropofagia, dirigida por Alcántara Machado y Raúl Bopp, compartía con Verdeamarrillo el sentimiento humillante de dependencia cultural pero que sutilmente fueron liberándose hacía un nacionalismo tolerante. (p. 70).
Otro hecho cumbre que fue factor determinante en el sentir nacional carioco es la celebración del centenario de la independencia en 1922 (como monarquía no como república), del cual nos informa Álvaro Fernández “porque la celebración de los centenarios de la Independencia en Brasil y Argentina constituyó una apoteosis materialista, con la multiplicación de monumentos, edificios y estatuas que decoraron las ciudades y transformaron sus fisonomías”. (FERNÁNDEZ BRAVO, 2009, p. 32), lo cual necesariamente es un hecho que consuma la posición de la nación como algo propio.
Un autor que debemos destacar es MARIO DE ANDRADE (1893-1945) poeta y crítico de arte que tuvo una fuerte presencia en la exposición de arte de San Pablo 1922. Este autor considerado en su primera época de estética parnasianismo pero rompió con esta línea y escribió el libro Paulicéai Desvariada (1922) considerado el primer libro del modernismo con carácter nacional el cual le mereció el apodo de “papá del modernismo brasileño” la etapa de madures nacionalista de este autor refleja los libros Losango Cáqui y Cla du Jabuti en este último su etapa de mayor nacionalismo. (Teatro Municipal de San Pablo, 2014) Por ultimo citaremos la visión de la autora con mejor reputación en el campo del estudio del arte latinoamericano Marta Traba quien menciona el importante papel que tuvo la revista KLAXON “aparecida por la semana de arte moderno de mayo de 1922 a enero de 1923” que de algún modo encaminó el pensamiento de la urbe paulina hacia un nacionalismo y según esta autora la representante de mayor categoría es: “en Brasil esta idea del nacionalismo lo comprende en las obras de Tarcila do Amaral. Como un equivalente a Siqueiros en México” (TRABA, 2005, pág. 13)
INDIGENISMO LOCAL (MANIFESTACIÓN ARTÍSTICA DE LAS REGIONES DE CUSCO Y PUNO)
Cuando se habla del indigenismo en el altiplano nos remontamos a los antecedentes que representan según algunos autores consultados. Para Mirko Lauer el indigenismo tiene su germen al inicio del siglo algo que comparte con José Tamayo pero que recién se concretiza en los años 20’ “que por vez primera un sector de la burguesía levanta algunas banderas coincidentes con las del pueblo” (LAUER, 2007, pág. 90) . Conviene señalar a los artistas “Carlos Otero pinta en 1914 “El condenado a muerte” un cuadro de costumbres andinas” y también el escultor José Huerta presenta su obra “Música incaica en 1910”; que en opinión de Lauer no desata ninguna efervescencia ni representa antecedente alguno para el indigenismo como una mirada al interior del país (p. 91). Si hablamos un poco sobre los antecedentes directos para el indigenismo y quienes luego se consideraron como locales tenemos a dos artistas Elena Izcue y Alejandro Gonzáles quienes son la primera promoción de ENBA estos artistas realizan una investigación sobre la producción artística del Perú antiguo con ello sus motivos se volcán a lo nativo, pero volvemos a citar a Lauer quien señala que para el arte indigenista hay tres vertientes “el redescubrimiento del arte prehispánico, la llegada del nacionalismo y la aparición de los ‘ismos’ como vanguardia europea”(ob. Cit), lo que a diferencia de Tamayo que señala que el origen del indigenismo tiene lugar en cusco con la “revolución de los estudiantes universitarios de 1907” (TAMAYO, 1980, pág. 167) .
Pero para adentrarnos en la tesis de José Tamayo Herrera relataremos algunos hechos que dan por “sentado” la posición nacionalista del indigenismo y con ello más en profundidad el indigenismo local en la regiones de Cusco y Puno. Comenzaremos por Cusco. La conciencia sobre el aborigen el mal llamado “indio” fue objeto de estudio después de los constantes fracasos políticos más aun con la guerra contra Chile que dejó al país en bancarrota. Los líderes oligarcas no supieron cómo llevar adelante la reconstrucción nacional entonces se les ocurrió la genial idea de acudir al único ejemplo de éxito social y político que Sudamérica tuvo y para coincidencia estaban gobernando el mismo suelo que estos antiguos líderes exitosos; nos referimos a los incas quienes supieron dominar la mismísima naturaleza cruel y lograron una sociedad sin hambre y un estado burocráticamente eficiente. Entonces no quedó otro que estudiarlos a sus descendientes los runas pero lo que ocurría en el interior del país era totalmente lo contrario con lo gamonales que explotaban la mano de obra sin piedad para casi aguarle de impuestos con el cuento de la reconstrucción nacional que poco entendía el aborigen no porque no fuera patriota sino que la peleas era entre “mistis” así como en las guerras civiles de la invasión. Esto creó o mejor dicho despertó a obligó al indígena a reconsideran su situación y pensar en la revoluciones; como ejemplo tenemos a Teodoro Gutiérrez (rumi maqui) un mestizo claramente identificado con los indígenas porque vivía y era de costumbres andinas inicia una revuelta en Canchís Cusco en 1924 y otro es el nativo Miguel Quispe (El Inca) que desató una protesta que tuvo un resonancia incluso fuera de la región de cusco, lideró a los campesinos a rechazar y protestar por los abusos en la haciendas y los impuestos, provocando un temor entre los gamonales de una revoluciona a mayor escala. Estos hechos crearon en la región de Cusco la conciencia de revalorar a los nativos o los runas. Los sucesos llegaron a los claustros universitarios mucho antes que estos levantamientos. Ya en 1907 en los salones de la universidad San Antonio Abad se produce la reacción al pensamiento occidental para optar una orientación moderna y liberal lo que implicó la revuelta estudiantil del mismo año con clara orientación nacionalista. Los representantes de estos sucesos son: Luis Valcárcel, Uriel García, Luis Felipe Aguilar, Francisco Ponce de León, José Ángel Escalante (política). Etc. Esto en el plano intelectual quienes forman el marco ideológico para los artistas.
Si aceptamos la postura de José Tamayo y consideramos que los gérmenes del Indigenismo surge en 1848 con la obra de Narciso Arístegui El Padre Harán una novela del realismo indígena seguidamente por la obra de Clorinda Matto de Turner (1852-1909) cuya obra Aves sin Nido (1889) aunque con cierta mirada mestiza al nativo. Luego vendría el de los estudiantes, y el primer congreso de federación estudiantil celebrado en Cusco del 11-20 de marzo de 1920, son los hechos que marcan hitos en el desarrollo del esta corriente. Por otro lado está las manifestaciones plásticas como de Ángel Corbacho que ya pintaba callejuelas cusqueñas en 1907 y en 1915 francisco Gonzáles Gamarra presenta una tesis en el San Marcos ilustrado con acuarelas recogidas a los alrededores de cusco con marcado sentido indígena, así como el periodista y crítico de arte Ángel Vega Enriques hiso acuarelas como “Acueducto de Sapotina” con un realismo neto del Cusco (CHANG, 2009) . En 1918 llega a cusco Sabogal proveniente de argentina y encuentra a estos artistas y su paleta se torna más indigenista aunque fuera este quien impulsó a los artistas locales a la difusión de sus obras a nivel nacional. Sabogal en su estancia en Cusco pinta paisajes locales, callejuelas, templos, etc. Y en 1919 retorna a lima y de inmediato realiza la exposición de la Casa Brandes lo que atrajo a los críticos e intelectuales. Por ello Tamayo señala que el “indigenismo surge en cusco con los artistas y los intelectuales de dicha región y no como otros señalan que todo inicia con Sabogal” (TAMAYO, 1980, pág. 171). Entre los artistas cusqueños tenemos a Manuel Figueroa Aznar entusiasta del óleo pintó escenas de Paucartambo; Agustín Rivero Ricaldi un viejo pintor tradicionalista incursionó en el Indigenismo con éxito; y el máximo exponente es Francisco Gonzáles Gamarra que colaboró como caricaturista en la revista Variedades y viajó por Europa y EE.UU., entre sus obras figuras “Incas”, “La fundación de Lima”, “El primer Cabildo de Lima”, etc. Y los artistas influenciados por sabogal están Francisco Olaso, Ángel Rosas Fernández y Mariano Fuentes Lira. Olaso fue discípulo de Hernández; en cambio Fuentes e logró una exposición en Lima en 1928 con obras como “Patio de San Blas”, “Patio de Santa Ana” todas muestran fielmente a los lugares que después del terremoto de 1950 en Cusco formaron como referencia para su reconstrucción. Hubo también artistas como el ecuatoriano Manuel Ugalde y el argentino Mariano Caracho, quienes asimilaron la tendencia indigenista. En suma la predominancia artística del Indigenismo es más prolongado que en lima basándonos en los escritos de Tamayo señalamos un lapso de tiempo entre (1920-1950) incluso hubo seguidores como Julio Gutiérrez, Artrides Frisancho y Emilio Mendizábal dentro de la corriente llamado Neo-indigenismo. Cabe también mencionar los artistas musicales o los compositores que incluso mucho antes que los pintores iniciaron el Indigenismo hasta se podría señalar, siguiendo la postura de Tamayo, que los artistas representativos del pleno indigenismo Cusqueño son los músicos: Roberto Ojeda Campana (1895-1983), obra “Inti Rymi”; Juan de Dios Aguirre Chuquiwanka (1879-1963) obra “Kosko Llaqta”; Baltazar Zegarra Peso(1897-1967) “Punchaunikypi” Francisco Gonzáles Gamarra (1890-1972)–es el mismo pintor arriba mencionado–, obra “La Noche de Luna en el Cusco”; Francisco Gómez Negrón (bohemio) y Policarpo Caballero (GELADO, 2002) .
Ahora veamos el Indigenismo en el altiplano y para ello conoceremos los fundadores quienes en torno a un grupo llamado Ork’opata (TAMAYO, 1982) iniciaron todo este poderoso movimiento y cuyo líder fue Gamaliel Churata con otros amigos como Inocencio Mamani el origen del grupo se remonta a 1907 año en que el nuevo profesor asignado por cornejo polar es José Antonio encinas quien llegado a la escuela fiscal nro. 881 influyó significativamente sobre los futuros integrantes de Ork’opata. Arturo y Alejandro peralta dos hermanos, luego de egresar terminaron apenas la secundaria en el colegio san Carlos de puno pero por la dirección de Encinas los estudiantes siguieron una formación autodidacta con un marcado respeto por lo aborigen y consientes de problemas sociales en los andes, el maestro de clara tendencia indigenista los encaminó hacia el futuro indigenista que se resume en torno a Ork’opata cuyo boletín fue Titikaka (TAMAYO, 1982, pág. 97); este grupo de jóvenes se juntaron con otro grupo Bohemia Andina donde integraban Arturo Peralta ( futuro Churata) Emilio Romero, Alejandro Franco, Alejandro Peralta, Emilio Armasa, Víctor Villar Chamorro y Ezequiel Urviola. Para el año 1915 este grupo sería el semillero para la revista literaria La Tea ., que funcionó desde 1917 hasta 1919. En los inicios este grupo tiene una orientación del modernismo parnasiano, del arte por el arte. Cuando Arturo Peralta viaja a Potos- Bolivia como tipógrafo acompañando al sacerdote José Zampa tiene contacto con lo nativo este influye en la fundación del grupo boliviano Gesta Bárbara desde el cual escribe con carácter ya nativo e elogia a los artistas cusqueños que ya estaban configurando su estilo indigenista entre los años de (1917-1919); entonces el futuro Gamaliel Churata –seudónimo de Arturo Peralta–, tienen tres fuentes para la gestación del sentir indigenista uno es de la pintura cusqueña, otro del grupo Gesta Bárbara y la nostalgia por el maestro Encinas, maestro de casi todos los jóvenes. En 1919 Arturo Peralta fue contratado como bibliotecario por la municipalidad de Puno desde lo cual con su método autodidacta sigue la línea nativa y escribe artículos para la revista Kosko y adopta ya el seudónimo de Gamaliel Churata y para el año 1925 gestionan y fundan el grupo Ork’opata, este grupo comienza sus publicaciones en el boletín Titikaka de formato pequeño que funcionaba con un sistema de cangue con revista de otros países y local, por ello en lo internacional fue una revista que tuvo alcance mundial con numerosas revistas de Europa y américa esto les permitió estar al día de las novedades literarias del mundo su funcionamiento fue constante desde 1926 hasta 1930 con una interrupción en 1929. Con colaboradores internacionales hasta el propio Borges colabora con el boletín. Es así que el grupo Ork’opata fue la cuna del indigenismo puneño con carácter social marxista.
Entre los precursores o antecesores de este genial grupo están Telesforo Catacora, José Antonio Encinas y francisco Gomes de la Torre. El más completo es Encinas reflejado su pensamiento en su libro Un Ensayo de la Escuela Nueva en el Perú; otro fue el educador puneño Manuel Camacho Alqa culturizado en Chile a su retorno a su tierra natal creó un aula de clases donde enseñó a los paisanos a leer así como también esta francisco Chuquiwanka Ayulo líder de la revolución estudiantil de 1907 en Arequipa y editor de La Tea este último incluso fue acogido por Mariátegui en la revista Amauta; también está el político Manuel Quiroga, etc. Y los más importantes son Gamaliel Churata, lizandro luna, Mamani, etc. Estos aparte de ser indigenista tienen un marcado sentido localista
En el campo del arte destaca las artes plástica y cuyo precursor es Enrique Masías Portugal cuyas obras “Chullpas d Culimbo”, “Balsero de Titikaka”, “Chullpas de Sillostani” y la mejor “La Calle de Puno” conservados en la municipalidad de Puno, este artista incursionó vagamente en el indigenismo pero fue punto de inicio para los que se seguirán los pasos. El grupo con contenido totalmente vernáculo o indígena es el círculo de pintores Layccakota fundado por Amadeo Landaeta Basadre en 1933 (DE ORELLANA, S/A) . Que agrupó más de una decena de pintores de las cuales destacan Carlos Dreyer Genaro Escobar, Francisco Chávez; este era un grupo que generalmente los fines de semana salían al campo a pintar y luego en la tarde opinaban o comparaban sus trabajos. En 1936 hicieron exposiciones en La Paz y puno, de este último salió ganador Landaeta así como en lima 1935, y Viña del Mar 1937, incluso enviaron cuadros a París en 1937. Este grupo era realmente una escuela informal con una enorme influencia en pintores que eran ajenos al grupo. El actual museo Dreyer es en honor al pintor prolífico de origen alemán Carlos Dreyer que pintó en diferentes regiones del país y el único que vendió cuadros en el extranjero el único también con un sólido taller que le permitió abastecer a numerosos clientes. Su taller en la actualidad es el museo Dreyer. Tal vez fue el único que pudo vivir de su profesión aunque fue autodidacta. Otro de los destacados es Carlos Rubina Burgos de origen ariqueño pero que vivió toda su vida en puno en cuyo honor lleva su nombre la actual escuela de bellas artes de Puno, uno de sus logros es “Quinta Trillo”, también esta florentino sosa, juan Peñalosa, Genaro escobar, Manuel morales, etc. Y el último es francisco Montoya Riquelme el más joven del grupo y también crítico al cual debemos los escritos sobre pintores del altiplano y el honor de ser el fundador de la escuela de bellas artes. Este círculo recibió la visita de sabogal en 1935 así como también tuvieron relación con Julia Codecido y Carmen Saco y Cota Carballo. Este grupo fue tan importante en el reflejo del pensamiento literario del grupo Ork’opata cuyo ciclo vital del grupo Layccakota fue de 1933 hasta 1940. En 1941 Roberto la Torre Medina fundó el Instituto Americano de Arte de Puno el cual absorbió a los integrantes que quedaba del grupo Layccakota. La nueva institución reconocido por el estado en el año 1945 con la resolución suprema 3720 (TAMAYO, 1982) luego esta institución pasó a ser en 1953 la escuela regional de educación artística de puno sin que desapareciera el instituto americano de arte de puno y en 1964 se convierte en la Normal Regional de Bellas Artes. En cuyas aulas se enseñan pintura y música. No se puede negar la influencia de los pintores camilo Blas Enrique Camino Brent y Jorge Vinatea Reinoso así como los argentinos José Malanca y Francisco del Santo sobre los pintores puneños. Este grupo de pintores influyó sobre los nuevos pintores que muchos de ellos continuaron con las temáticas y que ahora se les denomina neo-indigenistas como es el pintor Juan de la Cruz Machicado. En el plano de la música, el Huaino del altiplano es toda una institución y cuyo representante más elevado es Thedoro Valcárcel otro músico es Rosendo A. huirse. Alumno del músico Ignacio Molina un artista del siglo XIX.
Bibliografía consultada
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“Baudelaire: el crítico borracho en el salón de 1846”
Charles Baudelaire: Un borracho, adicto a la droga Hachís, un hombre que frecuenta los prostíbulos baratos de París, con una vida excéntrica, con escándalos por doquier, contagiado de sífilis y crítico de arte. La pregunta del millón es, ¿Baudelaire era el crítico indicado para juzgar, opinar y sentenciar de tal o cual artista era el ganador y otros los fracasados condenados a la “muerte” en París de 1846?
La apasionante vida pública de Baudelaire comienza, en concreto cuando decide escapar de barco que lo transportaba a la India y se queda en la isla Mauricio con el único objetivo de forjarse una vida de escritor y poeta. Baudelaire desde que estuvo en Liceo Louis-le-Grand ya frecuentaba el circulo de los poetas malditos allí conoció G. de Nerval y H. de Balzac, y a poetas jóvenes del Barrio Latino. También conoció a la prostituta Sarah «Louchette», quien le inspiraría algunas de sus obras posteriores. Era claro que él quería y amaba el reino de las letras y nadie se lo impediría ni su padrastro el Gral. de estado mayor, Jacques Aupick con quien su madre se había casado por interés a tan solo doce meses de la muerte de su padre en 1827.
El padrastro, en su juicio castrense de posesionarle dentro de la sociedad, buscó situale en algún cargo público en la Francia de 1841, cuando Baudelaire contaba con veinte años, pero no lograrían sino se alejaba de la bohemia y de sus amigos ‘borrachos’. La madre y el padrastro intentaron alejarlo de sus allegados enviándolo a la India en un viaje largo, lo cual –obviamente–, resultó lo contrario. Baudelaire retornó a París e incluso reclamó la herencia del padre por contar con la mayoría de edad.
Aunque en la Francia del siglo XIX había varias formas de escalar en la difícil carrera del escritor ganarse el prestigio y la fama era algo titánico. Para algunos poco dotados simplemente imposible. Baudelaire no era una excepción a la regla, tendría que comenzar por algún camino. Entre sus amigos bohemios conoció la crítica de arte, notó que muchos de ellos podían vivir, sin problemas, de sus escritos sobre arte, pero para calar en la fama se necesitaba más que hacer comentarios y apreciaciones de cuadros de pintores amigos. Baudelaire contaba con un as bajo la manga: la sensibilidad y el buen gusto por la pintura. Irónico en sus comentarios, sagaz en sus juicios, juez implacable en condenar malos cuadros y todo un fecundo en descargar etiquetas y categorías para los buenos así como los malos y el común de los pintores.
Baudelaire había comenzado su vida de escritor y crítico de arte pero el “plomo” que le jalaba el prestigio al abismo era a menudo los escándalos con Jeanne Duval, otra prostituta mulata que posiblemente fue la que lo contagió de sífilis, pero poco le importaba la opinión de los “nobles escritores”, más parecía que para el poeta maldito era un requisito el estilo de vida excéntrico con la cual lograba construir los versos y juicios acertados en la poesía y el arte. Así comenzó, el señor de las letras, como se le podría llamar a nuestro juicio. Comenzó en el único oficio, escribir. Fue sagaz y logró a cabalidad sus cometidos. Escribir, le dio un poco de pan a la mesa aunque la fuente mal administrada de su ingreso para su vida agitada y despilfarro era la herencia que alguna vez el padrastro y la madre le confirió con un notario como administrador y guía de gastos, el cual por supuesto terminó molestando a Baudelaire y más la “buena y libre cultura bohemia que había construido con esfuerzo titánico” exigía una libertad económica.
Cuatro años más después del intento de “corregir” la mala vida con el icónico viaje, Baudelaire comienza su labor con la noble pluma y cuyo primer “hijo” es El salón de 1845 demostró que talento y sensibilidad era cosa connatural a él, pero más preciso es: con una audacia y versatilidad; ameno pero tajante como el filo de una navaja se muestra en el siguiente año, 1846. El salón de 1846 es el fluido al que nuestros ojos “fotografiaron” con atención de Lince, inspirados por la subjetiva y placentera letra de Baudelaire. Por ello haremos un comentario al respecto.
Inicia este escrito haciendo un llamado a los burgueses franceses y aconsejándolos, porque esta clase –de tantas luchas internas ya no puede gobernar Francia–, carece de sensibilidad hacia el arte. Por ello es necesario hacerles saber que “Podéis vivir tres días de pan; sin poesía jamás porque el arte y la poesía son brebajes que la sociedad no puede dejar de tomar” haciendo notar la importancia de la cultura para definir la política.
Así mismo nos aclara la importancia del escritor, más aún si es un crítico. Presenta el porqué de la crítica como si los que leemos sus letras fuéramos foráneos y ajenos al “oficio”. Dice de ello “si el arte es noble la crítica es santa”, la claridad de la frase indica la presencia social y lo necesario que es, no solo para los artistas y que por cierto da a muchos ocupación, sino para el público ávido de arte –pensar que los salones con guías escritos por los mejores críticos era tan frecuentados y concurridos como hoy son los cines–; es que el siglo XIX, aunque ya se inventaron la cámara fotográfica todavía no es un medio ni siquiera una referencia noble por la cual comunicar el arte más aún traducir a los ignotos lo que la obra de arte quiere comunicar, es por ello que el crítico era más que necesario.
También incide en el lenguaje empleado por el crítico en los folletos-guía que se vendían como pan caliente. Como él mismo afirma que el lenguaje empleado debe de ser culto pero sencillo de comprender “Yo creo, sinceramente, la mejor crítica es la que resulta entretenida y poética”, con ello nos demuestra que no hay mejor forma de explicar al público sino es con un escrito del algún conocido, como es Baudelaire.
En todo el escrito se puede percibir el espirito moderno del poeta maldito. Para algunos es el iniciador de la poesía moderna, para otros representa la última cumbre del romanticismo y justamente es del romanticismo que nos habla profusamente y nos lo define de este modo: “El romanticismo no reside precisamente ni en la elección de temas ni en la verdad exacta sino en la manera de sentir, en la forma personalísima de presentar un obra resultado de una vida”. Claro está que para la época de Baudelaire el romanticismo en el arte moderno es subjetivismo, el cual está asociado, a lo que él aprecia, como una pasión de corazón. Por ello él clasifica la importancia de cada elemento: el trazo va al segundo plano mientras que brilla en el pedestal el color. Es el color el elemento cumbre, máximo ‘ídolo’ de Baudelaire en la pintura. Es que no es casual su repudio a la escultura sino porque no plasma color. Su sensibilidad hacia el color hace que elogie al máximo exponente del romanticismo, con creces y casi nos hace imaginar que se arrodilla ante el pintor Víctor André Eugene Delacroix, dice de este artista “que no pudo existir mejor hombre del siglo con justa cualidad para expresar” lo que él llama “la belleza del siglo en el heroísmo, el dandismo y la fe en la república sin guerras”. Es clarísima la definición que tiene sobre este artista, “El romanticismo y el color me conducen derechamente a Eugene Delacroix. Ignoro si él se enorgullece de su condición de romántico pero su legar es este y cuyo mejor ejemplo de este espirito rebelde es la obra Dante y Virgilio en los infiernos” (sic) es en esta obra donde podemos apreciar la garra del talento nato de escritor que se rebela ante nuestros ojos ávidos y casi adictos a su léxico.
Podríamos seguir enumerando cualidad y elogios sobre Delacroix y Baudelaire pero resultaría como una mera copia del texto leído por ello retornaremos al camino planteado al inicio: Baudelaire era el hombre indicado para emitir juicios que podían condenar a talentos o consagrar a artistas del común como lo llama él. Pero quién diría que una persona con todos los vicios que contaba Baudelaire pueda escribir maravillosamente sobre los salones. Pero es que tampoco en una verdad sino una falacia pensar que hombres con un estilo de vida aparentemente no idóneos para una labor como crítico no pueda ser un buen y justo juez de las obras que los artistas talentosos presentaban en el salón. Baudelaire desde que se matriculó en Facultad de Derecho de la Universidad de París se abrió camino hacia el competente mundo de la crítica de arte porque entonces era un trabajo del cual se podía vivir como en la actualidad ser columnista de un periódico prestigioso, a decir verdad los escritos de arte en el siglo XIX se publican en el periódico porque el público necesita acceder a la información al menos para estar al día en cuestiones de arte o tener como guía para cuando se visite el salón. Baudelaire habla de muchos artistas, la mayoría de ellos le causa estupor hasta condena inteligentemente a que puedan ser obreros en el taller de algún artista genio creador; el cual, para nuestros actuales ojos, nos muestra el componente subjetivo que un crítico actual o contemporáneo a Baudelaire requiere para hacer una apreciación de un cuadro, componente que el poeta maldito poseía a creces sin perder el hilo que sujeta la objetividad de la crítica, redacta en primera persona lo que confirma su posición del romántico individual, responsable de los juicios que hacen o mejor dicho, seguramente hicieron estragos en la emociones de algunos artistas aspirantes a la fama o elevaron al altar de la fama y prestigio a artistas genios, como él califica a algunos dotados. Entre ellos los afortunados que tuvieron la suerte que Baudelaire se tomara el tiempo para poder ver y analizar sus obras son: Delacroix, Ingres, Decamps, entre otros artistas menores que rescata cualidades y al mismo tiempo condena defectos. También entra en sus letras los románticos colegas suyos o mejor dicho los literatos como Víctor Hugo con quien compara a Delacroix, “Si el M. Víctor Hugo es un pintor poético Delacroix es un poeta pictórico”, demostrando así que estos hombres no solo son los que copian a la naturaleza sino aquellos que su ingenio e imaginación hacen reflorecer la realidad misma en el alma y solo después de procesar representan la naturaleza nueva: el uno en el cuadro el otro en la letra.
Hablando de la opinión de Baudelaire sobre el dibujo y la pintura que ya mencionamos someramente, señalamos que no es partidario del dibujo porque este es solamente el encuentro de dos colores cuando se fusionan para formar el difuso contorno de la figura mientras que el color es como la novela a diferencia del cuento, que representa mejor las emociones internas del hombre. De allí que podemos atrevernos a categorizar como una igualdad matemática entre el académico dibujante idóneo para la historia o lo que es lo mismo para pintura histórica, frente al colorista romántico idóneo para la novela que crea y no copia. Para aquel cuyo representante innegable es Ingres siempre en que supere a Rafael mientras para este es Delacroix. Ambos en la modernidad –hablando en el tiempo de Baudelaire–, forman de algún modo lo que él llama lo universal como una fantasía que nace la imaginación con la cualidad de la unidad del tema en el cuadro sin suprimir la luz ni el color para llegar a la categoría de genios del arte.
Al poco tiempo del contagio de la enfermedad Baudelaire sufrirá las consecuencias de la bohemia, en el año 1847 aparecen los primeros síntomas; en 1857 sale a la luz la obra cumbre de este autor LAS FLORES DEL MAL cuyo libro tendrá una influencia fuerte sobre los poetas modernos y los simbolistas pero a los dos años de publicarse el gobierno lo acusa de ir en contra de la moral social y la buenas costumbres. El poemario provocó escándalo entre algunos críticos como el caso de Gustave Bourdin, que lo consideró un libro «lleno de monstruosidades», a pocos días de su publicación la justicia ordenó el secuestro de la edición y el proceso al autor y al editor, quienes comparecieron ante el Tribunal del Sena pero que no significó impedimento para las publicaciones posteriores. Entre otro de sus trabajos está la traducción del libro de Edgar Allan Poe al francés.
Entonces llegó el año 1867 cuando la sífilis le complicó la vida y Baudelaire fallece en presencia de su madre a los 46 años de edad .
El pensamiento de Baudelaire es, en el corto tiempo que vivió, suficiente para entrar en los anales de la historia. Lo que nos permite redactar estos humildes pasajes después de 192 años desde su nacimiento, la influencia sobre nosotros no solo en la crítica artística sino en otras áreas sigue vigente. Quizás la conclusión es visible, porque no es requisito esencial ser hombre ordenado ni ser ajeno a los estimulantes de la creación para ser un idóneo crítico de arte. Cuando hay talento hay, sea este borracho o no.
Referencias.
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GÓMEZ ÁGUILA, José. Las ideas estéticas de Baudelaire. Referencia disponible en red: recuperado el 29 de abril de 2014
ttp://serbal.pntic.mec.es/~cmunoz11/aguila39.pdf
¡Qué profundo es lo que siente! ¡Qué misterio es lo que embarga! Tenía razón cristo del amor. Cada vibración es como el átomo cumpliendo su función marcial.
A veces deseo tener conciencia de perro que solo conoce alegría hasta cuando le dañan.
¿Agrio o amargo, dulce o vicio, dolor o felicidad? Entonces se pueden sentir todo al mismo tiempo. Cuéntame cómo te entiendo. Si el riesgo vale, estoy dispuesto al reto.
Amame, hablame, librame que pasarme la vida contigo quisiera. ¿Por qué sueño? dueño tuyo no soy. Suyo soy dueña mía.
Confuso como dios soy, claro como la oscuridad para el ciego, que cada pliego de la vida es dios luchando con la oscuridad.
Sencillo y claro pero imposible de entender es mi corazón. Complejo y encodado es mi rostro lo ven y todo quedo sencillo y claro.
Ccarancalla te vivo con nostalgia. Madre que golpea el pellejo frágil fuiste. Hijo tuyo se da pataletas contra el muro del mundo. Ccarancalla tal vez rompas este muro. Solo viene un pequeño ser con un corazón que no cabe en el mundo.
Qué doloroso misterio es lo que engloba mi corazón. Que temor a la nada se percibe en mis sentidos. Un velo de miedo abruma mi capacidad de enfrentar la vida. Llorar es una opción fácil pero intento ser fuerte. La vida me puso la piedra de toque que imagino que debo pasar. Percibo sonidos que realmente sensibilizan mi alma hasta el límite. Comparo la meta con la pasión y no estoy seguro de cual elegir. Estos momentos a veces requiere de intervención divina. Madre, madre te lloro ahora pero no por ti.
Padre, padre me asusta la vida sin ti. Alcánzame un poco de valor solo un poco y podré revertir todo.
Tan sensible que duele el respirar. Tan susceptible que ternura casi mata.
Caso no quiero hacer al corazón. Morir quiero y no puedo ¡Duele cómo! Como el castigo de dios. Liberar esto es hacer correr el agua. Adiós desde el alma. Adiós a todo. Adiós contigo. A dios le pido por ti. Adiós.
Latir ay latir cómo hacer que pares. Corre que el viento te ayuda. Latir cómo vivir sin ti. Hay latir si fueras otro podrías partir.
Hoy una de la mañana cogí la letra y expresé. Locuaz me volví solo por ti. Valor rebasó los tímpanos. Gritar es una opción. Terapia al corazón debe existir. Tratamiento al sentimiento que haya. Protesto sin causa pero con valor. Lagrimas caen sin parar. Ay mamá quiero tu abrazo. Ay mamá quiero tu consuelo. Se fue y qué hacer. Se fue y a quién abrasar. Bailar con la soledad. Ja y ja como quisiera que salga con verdad. Creeme que soy poco en los más lejos y mucho en tu brazo. Vida a veces tratas con crueldad pero que vivo se siente cuando enseñas a cachetádones y no reparas que muchos no podemos soportar. Levantas como el aire sin causa y vuelves a tirar tan solo porque no aprendí bien la lección.
Día 15 de septiembre 2014
Ankohaqa por: (JOZP)
Pero como dice García Márquez “la vida no es sino lo que se recuerda para contarlos” entonces recuerdo casi con claridad aquel lugar llamado Ankohaqa en donde con una manta con pallay fui cargado por mi progenitora mientras yo rascaba los pliegues y me hacía la primera idea consiente de felicidad, un lugar con caminos paralelos en curva marcados por años de andar entre aminales y humanos donde los Chinchillpa, plantas con hojas menudas y flores amarillas le dan color al paisaje. En el mismo lugar que mi madre fue arrastrada cual muñeco de trapo cuesta abajo por la chúcara y espantadiza mula de don Baltazar, padre de mi padrastro; hasta que la soga, sabe dios cómo y por intervención de qué o quién, logra desatarse.
Ankohaqa es un sitio sagrado y respetado por todo humano de Ccarancalla, que en cada viaje largo se le hace una “paga” porque si no, se enoja y castiga como lo hizo con Percy, mi hermano penúltimo porque rodar veinte metros cuesta abajo y ser salvado por una amable Tetirka, aquella planta que siempre es llenado de halagos y reverencias, es un acto tan cruel al mismo tiempo una promesa de que la vida es prestada.
Ankohaqa es una pequeña montaña con eucaliptos que lo decoran y chillcas que se adueñan de sus confines. Tiene como vecinos: por su norte un abismo de incalculable profundidad con rastros de veta de hierro con un camino que cruza por la mitad del peñasco y Minaspata, una meseta cultivable donde la tierra blanca y suave permite a los niños de todos los tiempos practicar la ingeniería de construir caminos y pistas a los carros y tractores imaginarios hechos de piedra que años más tarde fue destrozado por una carretera para camiones. Al sur hay un pequeño estanque de agua que sirve a veces de pleitos y rencillas de los comuneros y otras veces de vida para todo tipo ser vivo, rodeado de plantas medicinales como espinosas. El oeste conforma un abra entre la montaña Ankatiana, paradero de águilas y la montaña Qinqo. Un pasadizo por donde los hombres ancestrales construyeron camino para el paso de animales. El este es como un túnel formado por dos montañas que casi ya se están besando por cercano que se encuentran entre sí: Qantupata y Sillokama parecen hermanas porque ambas son mayores que Ankohaqa y tienen las mismas altitudes; es por el medio de aquellas que aparece el rio Kanllahuayqo que pasa por la base norte de Ankohaqa.
Ankohaqa no solo es la montaña sino es todo el conjunto no por nada su nombre quiere decir abismo fuerte y vaya que hace honor a su nombre. Cuanto derrumbe hubo ocurrió siempre en las montañas vecinas a sus alrededores, más no en este atemorizante risco. De niño en este lugar lográbamos –mis hermanos y yo –, una descarga de adrenalina por el increíble y casi divino salto y avance de las piedras que hacíamos rodar en concurso cuya meta final fue la llegada al fondo del abismo y el hundimiento con olas impresionantes en el rio; rio que a veces era tan peligroso por, –como la caída del rayo que si no era mensual era trimestral –, el cobro de una vida en su extraordinaria explosión de corriente provocado por la torrencial lluvia que sin exageran recordaba el diluvio. En la parte norte, donde estaba el precipicio –que más parecía un acantilado–, se encuentra un retoño en tres del antiquísimo árbol que según Nicolás, el abuelo vecino, fue plantado por su tatarabuelo desde entonces talado como diez veces con el mismo número de vástagos. Aquel árbol es testigo de caídas mortales así como de sustos que atropellan el alma por el atrevimiento de jugar columpios en alguna de sus ramas que dan hacia el precipicio. Dicen que en este árbol de aliso se ahorcó uno de los hijos de Fortunato Pastor con su propio chumpi por una riña porque este le despertó con látigo por lo tarde que daría de comer a los animales. Así también de ves cuando en el pequeño agujero que en la base del árbol producía miel abejas forasteras que, a más de uno, dejó el ojo hinchado por intentar acceder a la miel. Sin el árbol Ankohaqa no tendría la legendaria reputación que tiene en los pobladores de la comunidad de Ccarancalla. La anciana Eudocia me narró cuando tenía seis años de que el árbol era regado por el propio Ankohaqa, la montaña con su ser viviente que por cierto era masculino.
Ciertas noches Ankohaqa anda por sus laderas revisando sus animales y regando el árbol sagrado, –cada vez que hay menos agua en el estanque es porque Ankohaqa tomó el agua para regar sus plantas y el árbol, –afirma la abuelita Eudocia. Dicen que Ankohaqa vive pero en ciertas fechas y sale desde sus entrañas por el portal al lado norte de la montaña en forma de humano y se dirige, cuesta arriba para rendirle cuenta de todo cuanto ocurre en sus faldas, al padre de las montañas: Radilla –una montaña gigantesca sin que ningún otro le contrariara, su dimensión y conexión es continental mucho más grande que cualquiera en la región.
Cuando alguien es desconocido o que no le brinda reverencia, Ankohaqa se enoja y captura su espíritu provocando un susto por un simple tropiezo. Pasado un mes se enferma sin que algún doctor o chamán pueda curarlo. Entonces lo pobladores recurren a los Qayaq, unos hombres escogidos por los propios Apus, iniciados en la mediación entre los hombres y las montañas todas vivientes. El Qayaq a través de un ritual sagrado hará un llamado a la montaña para averiguar por qué capturó el espíritu de la persona y qué pide a cambio, como jurado implacable estará presente Radilla que por ser mayor su voluntad es absoluta sin que nadie escape, ni humano ni otra montaña. Después de la sesión tenebrosa y lucha de pareceres Ankohaqa pide como siempre un pago a través de ciertas materias, que humanamente son casi imposibles de conseguir: como la pluma de la cola de un cóndor macho así como un pedazo de chonta seco versión hembra traído desde las entrañas de la selva, pero qué tarea para encontrar a una víbora gris hembra que esté preñada, a dónde ir para conseguir el pelo del rabo de un zorro, –dicen, los abuelos, esto es porque este animal es el perro mascota de Ankohaqa, la grasa de una llama negra recién nacida, el cráneo de un perro negro, la orina de una mula, la hoja sagrada de coca kintu, etc. Para devolver el espíritu en el cuerpo de la víctima se tiene que cumplir con los requisitos en un plazo de un mes a lo mucho con una semana de tolerancia. Además de ello cada vez que se haga una fiesta o algún compromiso o simplemente trabajar las tierras de esta montaña se tiene que hacer el respectivo ‘pago’ o brindis con el Apu. Solo así se producirá la curación.
Tanta wawa: ritual de comida y conversación con los antepasados
Tendría seis años de edad cuando descubrí el concepto de la Tanta wawa como una competencia de preparación metódica y espiritual de la masa de harina en honor de los chicos y chicas de la comunidad de Ccarancalla pero, al mismo tiempo e memoria de los muertos, mejor dicho los abuelos que ya se habían ido a la otra vida pero que ese día, 2 de noviembre, volvían a degustar, en una mesa especial alfombrada con las mismas Llikllas de cuando eran vivos, con flores que le gustaban y comida favorita en vida.
Cada año cuando llegaba la fecha de Turusantus, como se le conoce a la celebración religiosa ‘Todos los santos’, era una algarabía. Dos semanas antes comenzaba a celebrar junto con mis cinco hermanos y los más de veinte vecinos amigos: como los Rivera, los Alarcón, los Mina, los Ramires estos más cercanos a mi casa. El solo hecho de que algún adulto mencionará por descuido o recordarlo a alguien delante de nosotros despertaba un entusiasmo como nunca. Yo nunca me acordaba de las fechas pero, cuando mi madre o mi abuela le encargaba en voz alta al quien iba a la ciudad de Andahuaylas hacer compras para que trajera la harina o algún ingrediente mis sentidos como sensores detectaban que prepararían Caballos o Wawas. Desde ese momento cada actividad que se lleva a cabo, por nosotros los chicos, estaba condicionado por un premio grande y lleno de caramelos que era el Caballo de pan. Si algún adulto nos pedía ayuda en alguna tarea lo primero que pedíamos siempre era un Caballo mientras que las mujeres hacían lo mismo con las Wawas de pan.
El 2 de noviembre nuestros padres nos mandaban pastear los animales hasta medio día mientras ellos preparaban la masa de la Tanta wawa. Mientras pasaban los años y uno estaba por los diez años de edad ya era reemplazado en el pastoreo por los hermanos que le siguen y así pude quedarme con los padres y aprender a preparar las wawas y caballos. Por costumbre se compra una semana antes la harina de trigo o por el contrario se manda a moler en la ciudad un promedio de quince kilos de trigo para luego mezclarlos con igual cantidad de Maíz molido, haba, y demás cereales. Para mejor calidad también se compra un kilo de manteca vegetal, pasas para los ojos así como grageas. La receta varía en cada Ayllu así, por ejemplo a mi familia le gustaba sabor a anís; a otros, sabor a toronjil, canela, menta, o simplemente con esencias. La mayoría de las plantas aromáticas crecen en la comunidad de allí tal vez la variedad de sabores en una misma comunidad. Cuando está lista el agua caliente procedíamos a batir en una charla casi mística mientras los padres nos hablaban a manera de curso el porqué de la celebración. Así como no faltaban sus atemorizantes relatos de mi madre diciéndonos que los taytakus se molestan y te aplastan de noche cuando no preparas bien la masa no contento con eso los taytakus tenían la osadía de probar y dejar putrefacto tu masa sino le hacías reverencia a su nombre, cosa que ocurría a menudo y nos infundía un respeto sin precedentes hacía los antepasados que se habían ido antes que nosotros al lugar de descanso.
Por la tarde, en la hora de trasladar la masa al horno del comunero Manuel Mina quien entonces era el único que tenía el mejor horno de tierra en la comunidad. No era necesario anunciarle para que caliente el horno él sabía que ese día su horno amanecería cociendo panes y wawas por montones de diferentes familias que por orden de llegada y con su respetiva arroba de leña legaban a las puertas de Manuel. Tampoco era necesario contratar algún hornero que ponga las wawas dentro del horno porque él siempre estuvo listo con Su Pala hecho de aliso. Así, viendo a Manuel, aprendí pronto a operar el horno y mantener la temperatura promedio del horno de tal manera no saliera quemado o por el contrario medio crudo los panes. Recuerdo que era el único día en que degustaba todo los sabores de caballos y wawas producidos en Ccarancalla porque las personas por costumbre invitan los propios ni bien salido del horno. Entre los innovadores incesantes éramos los chicos como yo que le modificábamos detalles o precisábamos rasgos de los caballos al igual que las chicas en las wawas hacían lo suyo.
Mi abuela Eliza Silvera fue la persona que con mayor detalle realizaba la ceremonia de comunión con los antepasados como el abuelo Manuel Pastor, Baltasar, Sabina entre otros seres que no logré conocer sino más que por sus relatos. Un día antes del día de los muertos preparaba una mesa de casi dos metros de largo por un promedio de un metro y medio de ancho, esto cubierto de mantas o llikllas a todo color y todo tipo de objetos secretos y algunos conocidos por mí como la pluma de cóndor, hiervas como la ruda, chonta, entre otros que según palabras de la abuela son para satisfacer al espíritu que visitará en forma de Chiririnka, una mosca de regular tamaño. Sobre la mesa están todo tipo de productos comestibles como el conocido Cuy chactado, Puka picante, panes, Sara lawa que es una sopa espesa de maíz, trigo lawa, etc. Pero el preparado central es la Tanta wawa, que por asuntos de economía era una sola mesa para varios de los antepasados homenajeados. Entre wawas y caballos y panes pequeños había flores que decoraban la mesa y la presentación de la comida. Algo que mi persona ha corrompido cuando pudo es que los panes y wawas que mi abuela sentenciaba no comer porque era para los muertos yo las comía cuando lograba abrir la puerta de la habitación oscura donde se le convidaba la mesa.
INFORME por Julio Oscar Zúñiga Pastor
BRUS RUBIO CHURAY
Brus Rubio Churay es de Pucaurquillo nacido en 1984 de padres de origen Bora por un lado y de Witoto por el otro; pero no venimos a contar la biografía del artista sino a compartir una apreciación muy personal en relación a temas plasmados en su cuadro que según nosotros son centrales en su producción artística hecho hasta hoy.
Identidad
Una idea que puede concentrar la personalidad de Brus Churay en relación a su obra es el apego a los orígenes locales, al vegetal verde, a la comunidad armónica, a los animales silvestres y domésticos. Todo ello identificado desde nuestra mirada a través del concepto abstracto entendido como identidad. Identidad como reconocimiento de algo propio o que se siente suyo. Entonces como luces de ventana sale a través de paletas de color y figura las rodajas de identidad que lo hacen conectado a lo suyo. Pero esta idea se eleva aún más allá del simple apego y sentimiento de propiedad, tomando camino hacia una concepción de adecuado para una formación de nación, es decir que lo que el Perú pueda tomar como algo propio y que puede estar orgulloso de ello es de la mirada particular de Brus Rubio. Aunque suene subjetivo tiene elementos de la Amazonía peruana que el país ya tomó como valor nacional como el árbol de la quina, que conociendo la formación de este artista no es exagerado mencionar bajo dichos términos. Así Rubio ve la selva conjuntamente con el hombre que la habita como el elemento base de la identidad no solo de él sino de la de su comunidad y por extensión al país. Para ejemplificar podríamos citar casi todas sus obras que apreciamos en la exposición del centro cultural Inca Garcilaso: Ukudo, Nonilla Amena, La Minga, Usuma y Monallatirisa.
Color
El otro aspecto del cual queremos ocuparnos brevemente es la gama de color que maneja en su producción artística. En primer término salta el verde con ello las tonalidades que acompañan a este color hasta llegar al amarillo. Si el centro fuera no podría ser sino el verde desde donde, como una luz, irradia hacia a todo lo circundo los tonos relativos al verde. En algunos puntos como por pedido obligado del ojo en una suerte de equilibrio muestra un rosado que apenas hace contraste pero que juega como el contraluz del verde. Otro es el azul que a manera de complemento no en color sino en peso se presenta en los cielos o en las aguas. El azul esta cuidado al grado de que no puede tomar atención ni ser más que el verde en el cuadro sino para dar esa suerte de misticismo y trae a la mente una atmósfera de balance en la gama de los fríos. Otro que casi hace competencia es el marrón o lo que es lo mismo el color del hombre de Amazonía, este tono variante del amarillo es usual y en algunos cuadros como el Árbol de la abundancia, Los chamanes y las investigadoras y El saludo a la fiesta dominan pero no por completo porque el verde siempre, como una presencia inevitable se muestra aunque en menor grado. De allí los otros colores como el rojo, son solo algunos toques menores en la paleta del artista. La luz y sombra (blanco y negro), es algo que juega pero no es el recurso importante sino solo para la degradación de colores y dar el volumen a las figuras o vestimenta de los hombres no amazónicos.
Jodecuna
Érase un duende viejo llamado Jodecuna Maléfico con una conciencia muy torcida. En sus ratos de ocio solo tenía las únicas ganas de hacer la maldad como nunca jamás a cualquier individuo o colectivo que le pareciese que pretendía progresar o hacer valer derechos justos. En sus ratos ocupados planeaba y ejecutaba todo tipo de maldades como para hacerle la competencia al propio diablo, es más, pensaba y piensa que no debe existir ningún ser más cruel que él por eso no está de acuerdo con que Lucifer sea más famoso que él. Hace todo, no lo posible, sino lo imposible para ganarle la partida al rey de los males. Está tan ocupado con esta misión que ha tomado posesión en el cuerpo de muchos nobles inocentes, muchos de corazón justo y equitativo sobre todo el cuerpo de los caritativos como el humilde e incansable servidor público Gaudencio Yallicuna Dávila que a duras penas logró un puesto clave para cumplir con su noble misión de servir a la comunidad estudiantil. Sí, este pobre hombre en sus ansias de servir con toda pasión logró la simpatía no de pocos sino de todos cuanto le rodean y como recompensa le dieron el doble cargo de jefe se seguridad y bienestar en la Universidad San Marcos. Este hombre de un corazón solo comparable con la de Jesús fue poseído por el ser más vil y ambicioso Jodecuna y ahora es dominado y dirigido en todo lo que hace por este. Jodecuna Maléfico estaba tan abocado en su misión de socavar la humanidad entera en un oscuro y eterno sufrimiento, fue cuando el propio jefe del infierno sintió que tenía un terrible competidor en la pesca de las almas. Lucifer no se quedó con las manos cruzadas sino se apresuró y también tomó posesión. Desde entonces luchan para tomar control de quien es el campeón de la maldad en el mismo cuerpo. A veces logra triunfar Lucifer pero generalmente gana el Jodecuna Maléfico por su incomparable ambición de dañar cuanto puede al pobre Gaudencio. Es tal su voracidad por la maldad que Jodecuna ya no espera como lo haría Lucifer, a que los humanos hagan la maldad por la voluntad, sino que hace sin reservas maldades a la gente. Gaudencio ya perdió la conciencia de cuál es la bondad y no recuerda que hacía solo la bondad hacía a sus semejantes. Yallicuna ahora poseído por los dos maldades o mejor dicho Lucifer y Jodecuna Maléfico son que utilizan el cuerpo sin culpa para cometer todo tipo de atropellos y crímenes imperdonables.
El más malo de sus maldades de Maléfico duende ha sido, como si estuviera ensañado contra los humildes estudiantes provincianos de escasos recursos que dependen de la caridad de bienestar universitario, hacerlos pasar todo tipo de penalidades extremas. Como si eso fuera poco somete a los estudiantes a torturas de hambre quitándoles la comida y devorándolo todo como un monstruo voraz. Dejarles beber una gota de agua a los estudiantes sería una bondad insoportable, tanto que hasta calambres cerebrales le provoca. Es por eso que ni una pisca de bondad cabe en la conciencia de este duende. A veces se aburre torturando a los estudiantes provincianos entonces orienta su voluntad cruel hacia otro sector haciendo procesos disciplinarios a cualquier estudiante o trabajador de la Universidad, mejor dicho torturas inhumanas tan bestiales que hasta Lucifer se sorprende de tamaña maldad y parece que esto fuera una forma de divertirse o tal vez desestrezarse desentraña a los pobre diablos para devoralos los músculos y succionarles el seso. Como ve que Lucifer no puede competir con tamaña maldad optó por poseer el cuerpo del también noble y servicial Cotillo Zegarra, rector de la misma universidad. A diferencia de Jodecuna Lucifer incluso en su competencia contra el duende, como si se tratara de deporte, utiliza camiseta oscura como un símbolo de las tinieblas infernales. Mientras tanto el duende no pierde tiempo en arreglos de apariencia sino ocupa su valioso tiempo en despellejar y coleccionar los ojos extirpados de los estudiantes así como su increíble colección de un millón de lenguas humanas cercenadas de cada víctima caído. Y como si eso fuera algo ligero a los ciego y mudos los deja vivir en espacios cercados por espinos cuyo filo podría atravesar como si se tratara de anticuchos a los pobres desgraciados. Lo que es todo un éxito en su quehacer motivo incluso de fiesta es el rellenado con metal caliente líquido en los oídos de los invidentes o mudos de nacimiento, de tal modo quedan como zombis intentando morir a falta de oxígeno. Con todo esto Lucifer pudo competir y repetir a su modo tentándolos a caer en sus trampas infalibles, pero lo que no pudo es con la increíble hazaña que logró Jodecuna Maléfico al amputar los brazos y piernas y luego colgar sujetando con alambre de los testículos o senos según sea el caso a cada ciego o sordomudo. En cada poste eléctrico logra colgar como a diez desafortunados que mueren después de horas de desangrado. De este acto brutal hasta el amo del infierno sintió compasión por los infortunados estudiantes. Pero lo que hará temer al mundo entero y quién sabe al propio dios es lo que viene planeando y que aún no lleva acabo en la UNMSM.
–Líbranos señor de esta horrenda y cruel suerte –gritan los sobrevivientes.
–Óyenos Cristo nuestros lamentos y súplicas –gimen los abandonados por su dios.
–la maldad acaba de comenzar ¡Qué emoción! ahora podré ver buenitos sufriendo como mujer en parto –dice Jodecuna en una expresión cruel y tono enfermizo que espanta a cualquier santo–, qué suerte que nadie se interponga en mis proyectos espantosos; espero que el incapaz de Lucifer no intente quejarse con el igualmente incapaz de jehová o como se llame ese disque dios.
Mientras los cielos son encantados por el canto de los ángeles el mundo es aterrado por el sadismo del ser que no posee ni una pisca de bondad ni consideración tanto que sentiría placer si se hace daño así mismo.
Lo curioso de este ser es que por efectos del azar y la suerte tuvo la genial elección de un lugar específico, para cometer sus más crueles males, la residencia de la universidad San Marcos, es aquí es donde quiere dar vida al proyecto más vil que la humanidad jamás conoció. Ya inició con algunos ensayos de la expresión de su poder brutal. Primero a denunciado ante su misma corte precedida e integrada tan solo por él mismo a los estudiantes de escasos recursos económicos argumentando que solo deben de masticar aire pero aire con gas lacrimógena. Segundo dar juicio con torturas incluido a dichos famélicos para que puedan perder los sentidos como el ojo, oído, y la boca de tal modo no podrán ni quejarse o ver quien los tortura pero podrán sentir los dolores que le infringirá.
